Le Bon Marché rive gauche expose le duo de photographes Germano-Tchèque René & Radka au travers d’une série de grands formats et de projections à l’esthétique émotionnelle puissante. Fascinés par l’air et le vent qui donnent forme et mouvement à des objets gonflables non identifiés, ils se laissent séduire par le hasard et l’univers magique de ces géants fantastiques sur le fond d’un ciel plein de lumière. Même si leurs nouvelles photographies nous montrent la plage, le ciel et l’horizon, elles nous donnent l’impression d’être prises sous l’eau. Sur une seule photographie, nous apercevons un enfant pour pouvoir se rendre compte des dimensions de ces créatures ludiques, jouets immenses qui sont pourtant devenus des objets d’admiration presque obsessionnels chez des adultes. Qui, d’ailleurs, ne voudrait rester à jamais dans son monde de fantaisie enfantine ? Est-ce un rève ou un décor imaginé par Jules Vernes ? Le Bon Marché rive gauche, 24 rue de Sèvres paris 7ème - www.lebonmarche.com 01 44 39 80 00 - Lundi, mardi, mercredi, samedi 10h/20h - jeudi, vendredi 10h/21h Galerie Philippe Chaume - info@galeriephilippechaume.com / www.galeriephilippechaume.com 23 rue Maurice Wilmotte 1060 Saint Gilles - Bruxelles (sur rendez-vous) 0032 (0)483 387 450

“Présences” Floriane de Lassée

Qui se cache derrière cette paroi ? Que fait cette femme ? Est-elle en danger ? Se dérobe-t-elle des regards ? La nouvelle série de photographies de Floriane de Lassée, «Présences», reprend le motif de la fenêtre derrière laquelle des solitudes apparaissaient, dans les mégapoles de la série Inside Views, pour cette fois-ci, présenter plus explicitement l’être humain hors de tout contexte. Un corps à corps avec la paroi s’engage alors que le regardeur s’interroge sur le sens de cette chorégraphie sans nom et sans visage.

Floriane de Lassée a donné pour seule consigne à ses modèles de chercher à passer de l’autre côté de cette paroi vitrée, semi opaque. La photographe saisit les pauses de ces acteurs anonymes au moment où les zones de contact deviennent des îlots de netteté. Justement, leur anonymat et l’absence de contexte de ces images augmentent les interrogations. Floriane de Lassée s’amuse des émotions que ses photographies peuvent provoquer : l’attirance, l’effroi et la fascination sont suscités tour à tour, redoublés par le dispositif des caissons lumineux qui reproduisent à échelle humaine les corps de ces silhouettes éthérées. Celles-ci sont-elles captives ? Sont-elles seulement en retrait, paisibles ? Une chose est certaine : le regardeur est en position de voyeur et la mise en situation des photographies instille le doute. Est-ce une situation réelle ou bien virtuelle ? A t-on à faire à une personne physique ou à son impression photographique sur film?

Le dispositif mis en place est proche de celui de l’installation. Floriane de Lassée peut modifier l’intensité de chaque caisson afin de s’adapter à la luminosité du lieu dans lequel elle expose ses œuvres.

De ses images fixes, Floriane de Lassée a composé une suite logique en mettant bout à bout les clichés d’un même modèle. Un « dessin » animé en ressort, mettant en lumière un corps aux postures légèrement saccadées. Le mouvement n’est pas ici décomposé pour être analysé, comme en son temps Etienne-Jules Marey a pu le mettre au point ; il met plutôt en exergue un corps dans ce qu’il a de plus animal et refoulé. Les photographies de Floriane de Lassée oscillent entre sensualité et animalité et embrassent la part d’ombre et de lumière de la nature humaine.

Elise Legris-Heinrich

Marco Barbon - Alea jacta est

L’éphémère n’a pas de prix. C’est le durable, le persistant qui en a un. Celui qui expose l’éphémère à la vue, dans cette nuit illuminée qu’on appelle le jour, prend le risque de se fondre physiquement dans l’éphémère, quitte à s’y perdre. Marco Barbon a pris ce risque, en consacrant son oeuvre à tout ce qui peut s’évanouir à tout instant et disparaître on ne sait où.

Avec des plumes d’oiseau, avec des balles, des boules, il saisit l’instant où les objets se mettent à bondir, à rebondir, à dessiner des formes aléatoires dans l’espace. Les plumes volent et tourbillonnent, les boules colorées d’arc-en-ciel y figurent en état de lévitation. Il s’agit de poèmes-photos, de Haïkus photographiques, où les boules remplacent le saut de la grenouille de Bashô, suggèrent et glorifient l’éphémère. En utilisant le procédé du polaroïd, d’abord, il choisit la voie la plus aléatoire. Peu d’instants lui suffisent, quelques secondes seulement, comme si le secret de la vie se dissimulait dans le furtif : l’aléa pur du saut dans l’insaisissable. Curieux artiste, qui semble vouloir se dérober à tout jugement sur un travail qui lui échappe en grande partie. Cela mérite réflexion et suscite la méditation, plutôt que l’analyse.

On finit par en conclure, en le méditant, que Marco Barbon ne souhaite pas être « fixé » lui-même par quiconque, comme on ne peut simultanément saisir la position d’un point dans l’espace et son mouvement dans le même espace : ce qu’on appelle en physique le principe d’incertitude d’Heisenberg – ou, tout simplement, l’incalculable.

Ainsi en vient-on à croire que son oeuvre répond à une connaissance philosophique approfondie. Et, en effet, l’auteur des Chronotopies dispose d’un vrai savoir philosophique, qui va de la culture occidentale la plus ancienne à la culture extrême-orientale non moins ancienne : de Zénon d’Elée au Zen. Du microcosme au macrocosme et du zéro à l’infini.Une telle aventure est si singulière que nul ne saurait prévoir jusqu’où pourrait aller ce migrateur de l’imprévisible.

Marco Barbon ? Un maître de la Chance.

Mais aussi, bien autre chose. On repère vite en effet, dans cette oeuvre apparemment très modeste, et très secrète, un lointain écho du surréalisme, et pas seulement celui de Giorgio de Chirico, mais d’Yves Tanguy, de leurs ombres de statues sur les places, de celles de personnages imaginaires sur des plages sans horizon. Mais, contrairement aux œuvres de ces deux peintres, il s’agit d’une atmosphère surréelle diffuse à l’intérieur d’espaces hermétiquement clos. De vitrines, en quelque sorte, qui exposent des surprises et des énigmes. Des interrogations (des objets interrogatifs), plutôt que des réponses à des questions lourdes et prétentieuses. Interrogations mystérieuses, plutôt qu’inquiétantes. Pas de Muses inquiétantes, mais de minuscules barricades mystérieuses, comme les poèmes d’Olivier Larronde. Toutes en douceur, en parfaite sérénité, et même apaisantes, loin de toute idée de guerre et d’agressivité. Aucun esprit de violence révolutionnaire, aucune allusion à des tragédies quelconques. Ou alors : Marco Barbon les met consciemment entre parenthèses. De l’humour latent, mais pas d’humour noir, ni grinçant. Un sourire aux lèvres, comme le visage d’Hermès.

Un univers en suspens, en apesanteur en quelque sorte. On songe parfois à des cerfs-volants d’une autre espèce, des cerfs-volants sans fil. Mais on y entend aussi de la musique. Une musique aussi singulière que celle d’Erik Satie : celui des Gymnopédies et des Gnossiennes, le maître musical de l’humour.

Comment définir un tel esprit ? J’oserai utiliser le néologisme Volatilisme. Marco Barbon, dans ses polaroïds, volatilise presque tout : le temps (celui qui court depuis toujours), l’espace (public), et même l’énigme, puisqu’il la transforme en évidence manifeste. Rimbaud voulait fixer des vertiges. Marco Barbon fixe des questions sans réponse.

Alain Jouffroy

Vernissage le mardi 9 novembre 2010 de 18h à 21h. Exposition du mercredi 10 novembre au samedi 22 janvier 2011

« Itsas Lurrak » 2010

« C’est la mer, comme limite, qui trace, en réalité, la forme des continents. C’est par la mer qu’il convient de commencer toute géographie. » écrit en 1875 Jules Michelet. La mer comme point de départ de l’histoire de la terre est aussi celui de la nouvelle série de Sabine Delcour, intitulée : Itsas Lurrak qui signifie enbasque les pierres de la mer. Elle travaille les rivages au gré des marées et des houles. La rencontre entre la mer et la terre forme une frontière géologique particulière, à la lisière du monde.

Les photographies de la nouvelle série de Sabine Delcour sont minérales. La roche ensevelie par les flots est tranchante et inhospitalière. Le sol est déchiqueté et la mer semble cacher un univers inaccessible au regard. Et pourtant, la mer est très peu visible dans ses images : elle est le point de départ d’une histoire qu’il s’agira de construire à sa guise, de la même manière que les pierres sont marquées par l’érosion et le temps qui passe. Itsas Lurrak parle du temps qui façonne les pierres et l’imaginaire. Grâce à la mer et ses remous entraînants, la géographie qui se compose est mentale. Sabine Delcour trouve dans la mer de quoi enclencher une réalité plus intériorisée et ne recourt plus aux histoires des autres pour interroger le territoire comme dans ses précédentes séries.

Les photographies de Sabine Delcour ne sont pas documentaires ; leurs réalités sont propres à chacune des interprétations et des histoires qu’elles rendent possible. Chaque image fonctionne comme une fenêtre qui s’ouvre sur un univers en devenir. Ses images posent un cadre et offrent des accroches visuelles : elles superposent un territoire physique et un territoire imaginaire de la même manière qu’une métaphore rapproche deux réalités, tangibles et allégoriques. Itsas Lurrak poursuit le travail de Sabine Delcour sur le langage : elle questionne la forme et le fond de la géographie qu’elle circonscrit. Ainsi, photographier l’estran, c’est tout à la fois interroger l’origine de la terre et l’origine des récits qui ne sauraient être fixes.

Elise Legris Heinrich

Après Bruxelles, d’où il est originaire, Luc Dratwa présente ses photographies à Paris, l’occasion pour la galerie Philippe Chaume de nous offrir une vue réjouissante de New York. Sa série « Windows » nous poste aux fenêtres du célèbre Rockefeller Center, au 66^ème étage d’un bâtiment qui surplombe Central Park et la non moins célèbre 5^ème avenue. Ni les joggeurs du poumon vert ni les sportifs de la fameuse patinoire ne seront le sujet de ses clichés. Et si l’Empire State Building capte le regard, il ne fonctionne que comme une balise géographique.

La première fois qu’il s’est rendu au Rockefeller Center, alors en famille, Luc Dratwa a été saisi par l’atmosphère étrange qui régnait à cet étage. Pas un bruit ne venait perturber la contemplation du panorama : se mettre à la fenêtre du Rockefeller Center revenait à s’extraire du temps. Plus tard, il choisit d’y revenir seul, muni de son objectif. Ses photographies en noir et blanc ne sont pas des mises en scène. Les spectateurs qu’il saisit de contre-jour ne remarquent pas sa présence : ils sont plongés dans leurs pensées, tantôt accoudés, tantôt assis sur les banquettes mises à leur disposition. Ils ne sont pas non plus reconnaissables, le fort contraste des tirages gomme toutes les singularités : Luc Dratwa photographie des silhouettes songeuses captées par le spectacle.

Seulement, sur quel détail leur regard achoppe-t-il ? Que regarde-t-ils vraiment ? Plutôt que de proposer une ultime vision de New York ou de l’un de ses symboles, Luc Dratwa photographie le hors champ : contempler ses images, c’est se mettre à la fenêtre de son imaginaire et s’emparer du vide devant lequel s’inscrivent ces inconnus pour construire son histoire. Il met le regard en abyme.

Ses compositions fortement géométrisées, le silence qui s’en dégage et le thème de la fenêtre ont quelque chose de l’atmosphère des peintures d’Edward Hopper. Tous deux célèbrent le possible et cherchent à ouvrir leurs œuvres à la narration du plus grand nombre. Les photographies de Luc Dratwa sont une invite à se pencher à sa propre fenêtre.

Elise Legris-Heinrich

Depuis ses débuts, Philippe Chancel photographie les sociétés autoritaires et les dictatures communistes en particulier. En 1981, il est le premier à se rendre en Pologne où a lieu un état de siège proclamé par le général Jaruzelski. S’ensuit une longue série de reportages jusqu’à cette année 2005 où il obtient un visa de près d’un mois pour la Corée du Nord. En 2008, il réitère l’expérience de l’utopie en se rendant aux Emirats Arabes Unis pour constater de ses propres yeux ce gigantesque chantier à ciel ouvert. Déjà, il constate des points communs entre ces deux pays : culte de la personnalité donnant lieu à une iconographie à satiété, concentration du pouvoir, contrôle sur les individus et surtout un déni de l’humain, revers de ces sociétés de l’hypertrophie régies par l’argent et le pouvoir politique.

Philippe Chancel s’intéresse à la manière dont ces sociétés du spectacle mettent en scène leur pouvoir. Luxe et divertissement pour l’une, ordre et austérité pour l’autre, ces sociétés industrielles modernes sont façonnées par les idéologies du capitalisme et du socialisme. Aux Emirats Arabes Unis, la course à la démesure n’en finit jamais : les monuments sont toujours plus hauts et clinquants, la consommation, et son lot de placards publicitaires, est omniprésente et les loisirs frisent l’absurde quand il s’agit de skier en plein désert. Là-bas, rien n’est trop beau ni trop grand pour se construire une identité quitte à sacrifier des centaines d’ouvriers immigrés. Les sirènes de la globalisation entêtent cette civilisation de l’argent et Philippe Chancel cherche à briser ce miroir aux alouettes contemporain.

Toutefois, les photographies de Philippe Chancel ne sont pas subversives. Au contraire, il pénètre au cœur de la fascination qu’exercent ces sociétés de l’image pour mieux comprendre les raisons de leur attirance et de leur répulsion. Ainsi, le cadrage de ses photographies est frontal et distancié pour répondre à son exigence de fidélité avec la réalité sans l’entremise d’un jugement ou d’un affect. L’esthétique documentaire qu’il met en place tâche d’œuvrer là où la propagande des idéologies agit c’est-à-dire dans les apparences et les faux-semblants. Ses photographies mettent en abîme les rouages du pouvoir et questionnent l’image même.

Elise Legris-Heinrich